STRUCTURE SAUVAGE– NELLY NAHON – RÉSIDENCE EN CRÈCHE 2026

PROGRAMME AMNESIA

AMNESIA | CONCERT SOLO ( guitare, voix)| SAMEDI 11 AVRIL 17h-18h

PROGRAMME RESIDENCE

Résidence | Permanences de repos | Tous publics

Résidence | Vernissage de l’exposition-restitution | Vendredi 22 mai de 18h à 21h

De janvier à juin, Célia Coëtte investit la salle de résidence du premier étage afin d’y déployer son projet de recherche-création « Pause ! Quitter la brûlure. »

Artiste plasticienne, Célia Coëtte développe une pratique pluridisciplinaire mêlant sculpture-installation et performance. Son travail convoque des rituels vernaculaires — danse, fête, carnaval — dans une économie de matières, tout en abordant les enjeux de surconsommation et d’épuisement des corps. Ses installations, souvent figées et squelettiques, prennent vie par l’intervention du corps vivant, qu’elle engage comme souffle et présence.

Diplômée des Beaux-Arts de Paris en 2016, elle a exposé notamment au Salon de Montrouge, à la Maison des arts de Malakoff, et dans plusieurs galeries en France. Elle a bénéficié de nombreuses résidences artistiques, dont la Fondation Fiminco, Artagon et l’agence l’Escaut à Bruxelles. Depuis 2018, elle développe également un travail chorégraphique et performatif autour de l’altérité, de l’empathie et du dépassement de soi.

© crédit photo : Romain Guédé

Pause ! Quitter la brûlure

Dans le cadre de sa résidence au Centre Tignous d’Art Contemporain, Célia Coëtte transforme progressivement l’atelier en une salle de repos dédiée aux travailleur·euse·s. Pensé comme un espace à la fois symbolique et artistique, ce lieu se construit au fil de rencontres, de témoignages et d’échanges avec des communautés de travailleur·euse·s de Montreuil.

Pendant six semaines, l’atelier s’ouvre au public pour accueillir des temps de repos, de parole et de co-création. L’installation évolutive se compose de sculptures et d’objets issus des expériences partagées, interrogeant le repos du corps comme nécessité politique et sociale. Ancrée à Montreuil, cette salle de repos rend hommage à l’histoire ouvrière de la ville et aux corps qui continuent de la faire vivre.

L’exposition finale présente l’ensemble des productions collectives et personnelles réalisées durant la résidence.

Programme 

Open studios

15h–18h · Tout public

• Samedi 21 février
  Présentation du projet de résidence et de la démarche de l’artiste, inauguration de l’espace des permanences de repos.

• Samedi 28 mars
  Work in progress du projet.

• Samedi 11 avril
  Work in progress du projet.

Permanences de repos

Tous les jeudis · 12h30–15h30
Du 19 février au 26 mars

• Rendez-vous à l’accueil, puis au 2ᵉ étage par l’ascenseur. ENTREE LIBRE

Pendant six semaines, l’atelier se transforme en un espace de repos ouvert à toutes les personnes souhaitant faire une pause et/ou partager leurs expériences et réflexions autour des salles de repos.

AMNESIA

Exposition collective du 23 JANVIER  11 AVRIL 2026
Une proposition de Luz BLANCO
Avec Luz BLANCO, Aurore PALLET, Jean-Baptiste PERROT, Manon PRETTO, André VAMOS, Pierre PRIMETENS

Pensée comme une déambulation immersive, l’exposition Amnesia se déploie tel un paysage mental, un espace oscillant entre présence et absence. Le parcours invite le visiteur à traverser les œuvres à travers le prisme de ses propres spectres mémoriels : réminiscences diffuses, interstices amnésiques, souvenirs fragmentés.
Au cœur de l’exposition, un corpus d’œuvres interroge les notions d’hantologie*, de mémoire et d’oubli. La malléabilité de l’image constitue le fil conducteur reliant les six artistes invité·e·s : jeux d’émiettement, de fluidité, d’apesanteur et de distorsion construisent un espace de spectralité, situé entre visible et invisible, flux et impermanence.

Les œuvres dialoguent dans un va-et-vient constant entre abstraction et matérialité, intime et politique, mémoire individuelle et mémoire collective. Vidéos, installations, sculptures, images digitales et dispositifs lumineux composent une expérience sensorielle où le regard se trouble et se reconfigure, à l’image de nos souvenirs.

Andréa Vamos
36 pauses à l’Est de 89
Installation immersive et polyphonique, mêlant impressions sur celluloïd, gélatines, LED, sons et vidéos. L’œuvre évoque la rupture historique de la Yougoslavie en 1989. Elle propose un parcours sensoriel en tension entre histoire et mémoire vive, où le visiteur devient l’architecte d’une résistance intime.

Aurore Pallet
Chambre d’échos
Véritable caverne chromatique, l’installation combine peintures luminescentes, sol-miroir et jeux de lumière. Entre lanterne magique et mirage, des fragments d’images et de mots apparaissent progressivement, faisant écho aux autres œuvres. Les images restent latentes, entre persistance rétinienne et projection mentale.

Pierre Primetens
La photo retrouvée
Film intimiste abordant frontalement la question de l’amnésie. Composé d’un collage d’archives Super 8, le film est réactivé par la voix off de l’artiste, faisant émerger des fantômes mémoriels où souvenirs personnels et images collectives se superposent.

Luz Blanco
Amnésia 3
Installation envahissant l’espace par constellations : dessins sur textile, drapeaux de soie flottants, fragments d’objets, images, néons et présences textuelles. Les modules autonomes, aux historicités multiples, se croisent et se recomposent par le regard du visiteur, formant une partition visuelle entre matière et immatérialité.

À travers Amnesia, les artistes composent une cartographie sensible de la mémoire contemporaine, marquée par la fragmentation, la rémanence et l’instabilité. L’exposition propose moins une narration linéaire qu’une expérience à habiter, où chaque œuvre agit comme un seuil entre oubli et souvenir, réel et fiction, intime et collectif.
Dans cet espace de spectralité, le visiteur est invité à devenir acteur de sa propre traversée mémorielle, confronté à la persistance des images, à la fragilité des récits et aux nouvelles formes d’archives façonnées par le numérique. Amnesia ne cherche pas à combler les vides de la mémoire, mais à leur donner une forme, une présence, et peut-être, une poésie.

PROGRAMMATION

ATELIER PARENT- ENFANT

La forêt en voyage.
Samedi 28 mars : 15H – 17H

Artiste invitée : Andréa Vamos
L’artiste Andréa Vamos propose une création collective à partir d’une oeuvre inspirée de l’exposition Amnésia. Cet atelier proposera aux participant.e.s de créer son propre souvenir ou sa propre image de ce que représente la forêt. A travers des jeux de transparence, de collage et de couleurs, de découpage et de superposition, le groupe réunira chacun de ses fragments pour former une nouvelle forêt. Une approche collective dans un cadre joyeux et musical où toutes les émotions sont permises !

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VISITE COMMENTÉE & PROJECTION AU CINÉMA LE MÉLIES
La photo retrouvée.
Vendredi 3 avril
Visite commentée de l’exposition : 18h30-19h30

Projection au Méliès : 20h30 – RDV 20h

Luz Blanco, artistes commissaire, propose une rencontre avec les artistes et un parcours guidé de l’exposition. Puis le film « la photo retrouvée » sera diffusé en version intégrale, en présence du réalisateur Pierre Primetens au cinéma Le Mélies de Montreuil.

Projection du film suivi d’un échange avec le public et le réalisateur.

Visite commentée : Réserver ici

Projection au ciméa Mélies : Réserver ici

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CONCERT solo
Rémores

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Vernissage

Vendredi 14 Novembre 2025 – 19h

Une proposition de Michel Poivert et Evelyne Cohen

Avec les artistes : Sylvie Bonnot, Véronique Bourgoin, Arina Essipowitsch, Marie Hazard, Yanis Houssen, Sara Imloul, Laurent Lafolie, Hanako Murakami, Raphaëlle Peria, Catherine Poncin, Mathieu Roquigny, Laure Tiberghien et Dune Varela.

Partenaire : Le Collège International de la Photographie.

NEO-ANALOG

La photographie après l’image

À partir des travaux de treize artistes contemporains, l’exposition NEO-ANALOG se présente comme le manifeste d’un courant international qui marque l’une des étapes les plus récentes de la photographie contemporaine.

Depuis les années 2010, certains photographes inscrits dans le champ de l’art contemporain se détournent de la création d’image pour explorer la matérialité de la photographie. Les fondamentaux – lumière, temps, substances photosensibles, tangibilité des supports, etc. – se présentent comme un vocabulaire alternatif au regard des technologies avancées. Propositions « contre-culturelles », parce qu’étrangères au mainstream des images des médias, les photographies affirment les potentialités de l’analogique, soit toute expérimentation en prise direct – en contact – avec le réel. Il n’est plus question de « regard sur », mais d’activation de processus où la physique et la chimie des matériaux déploient de nouveaux possibles.

Souvent inscrits dans une forte sensibilité écosophique, les photographes néo-analogues militent aussi pour des pratiques explorant la nature aux côtés des savants, et visent une poésie de l’anthropocène : dans un monde abîmé, la photographie ne sert plus seulement à voir, mais à ressentir et comprendre. L’analogique n’est plus alors une question technique, mais un changement de paradigme culturel : la mise en contact du photographe avec le monde passe par la reconnaissance des valeurs de l’expérience. Dévaluée depuis le développement des médias, l’expérience revient en force à travers la culture analogique et constitue un équilibre avec nos existences numériques. La photographie néo-analogue revisite l’histoire du médium en réactivant ses procédés. Elle invente de nouvelles situations techniques, elle échappe à sa condition d’image : entre installation, sculpture, gravure, peinture ou vidéo, la photographie s’est élargie en régénérant les fondamentaux de son médium.

La révolution numérique semblait avoir condamné la photographie à devenir une image comme les autres. Une génération plus tard, elle s’est réinventée en affirmant des valeurs que l’on trouve dans nombre d’autres domaines, comme la musique, les jeux, le film ou bien encore l’urbanisme. Le néo-analogue institue une culture matérielle et philosophique qui permet de restaurer l’idée de réel dans un contexte de crise de la vérité.

Vernissage

Jeudi 4 Septembre de 19h à 22h
En présence de la commissaire et des invité·e·s

Dix ans que Tignous et ses dessins nous manquent, que Tignous me manque. Il fallait que Tignous se manifeste !
Il nous laisse une œuvre colossale de plusieurs milliers de dessins, pour la plupart intemporels, avec pour certains la sensation qu’ils ont été couchés sur le papier hier.
À l’instar des artistes qui ont traversé les époques et marqué les esprits, Tignous a apposé son empreinte dans le dessin de presse et créé un style, un trait unique, inspiré toute une génération de jeunes dessinateurs.
Il était ce grand dessinateur de presse mais aussi un travailleur infatigable, gourmand, un artisan du quotidien et de ses petits bonheurs. Tous ceux qui l’ont connu ou qui connaissaient son travail, parlent de l’homme qui les a
marqués, de cette appétence à vivre, de la générosité de son sourire et de sa tendresse, de son talent à nul autre pareil.
Alors il fallait changer de paradigme et faire entrer Tignous dans la cour des grands, celle des grands artistes contemporains. Pour cela, j’ai voulu inviter des artistes, des personnalités de la vie politique et publique, et mettre en regard leur collection d’art contemporain avec les dessins de Tignous.
Qu’ils nous parlent de lui, qu’ils nous parlent d’art, qu’ils nous parlent d’eux… que le dialogue perdure pour lutter contre le fatalisme et l’indifférence.
Refuser de se résigner pour ouvrir des portes toujours plus grandes vers le vivre ensemble et rendre l’art et le rire accessible à tous.
Réunir des gens autour d’un projet avec l’envie de partager, cela lui ressemble tellement !
Tel est le Manifeste de Tignous.

Chloé Verlhac
Commissaire

« MANIFESTE n.m 1. Écrit public par lequel un chef d’État, un gouvernement, un parti, etc. expose son programme, son point de vue politique, ou rend compte de son action. 2. Exposé théorique par lequel des artistes, des écrivains lancent un mouvement artistique, littéraire. – OEuvre d’art ayant une valeur équivalente à un tel exposé. »

Larousse, 2025

Scénographie : Jérôme Liniger et Nicolas Jacquette

Production et Presse : Laurie Seguin

Production audio : Edouard Bonan @Ed Room Studio

Réalisation des podcast : Chloé Verlhac et Julien Tharaud avec la participation de Sébastien Guyot

Avec les contributions exceptionnelles de :

Aurel, Catherine Meurisse, Catherine Siné, Christian Guémy alias C215, Daniel Bravo du groupe Tryo, Emmanuelle Haïm, Fabienne Kriegel, Isabelle Autissier, Jacques Glénat, Jean-Marie Laclavetine, Michel Zoladz, Pascal Gros, Patrice Bessac, Rima Abdul-Malak, Robert Guédiguian, Serge Orru.

🪐 Exposition : Nos corps cel°estre : La voix des Astres
📍 La Galerie Éphémère
1 Rue Kléber, 93100 Montreuil
📅 Du 04 juillet au 25 juillet 2025
🎉 Vernissage : vendredi 4 juillet à 18h

Exposition visible du mercredi au vendredi 14h – 18h !

Une installation immersive imaginée par un groupe d’adolescent·es dans le cadre du projet MutantXs.
Un espace sensible où se tissent dioramas, textiles, fragments narratifs et planètes intérieures.
Une œuvre collective, poétique et radicalement sincère, née dans les marges, portée par des voix multiples.
Un lieu pour se transformer, se déposer, et peut-être… devenir constellation.

Pensée par la commissaire et artiste Isabelle Rèbre, l’exposition interroge la place du travail dans nos sociétés et propose une plongée artistique au coeur du monde ouvrier et ses représentations, à travers une mise en dialogue des oeuvres de Charles Pollock et des travaux de quatre artistes contemporain·e·s.

Charles Pollock, frère aîné de Jackson Pollock, a d’abord développé une oeuvre figurative engagée, influencée par les muralistes mexicains et les préoccupations sociales de son époque. Ses portraits d’ouvriers, réalisés lors de la Grande Dépression aux États-Unis, témoignent de la précarité des travailleurs et d’une époque marquée
par des mutations économiques profondes. Ces dessins et peintures réalistes, souvent éclipsés par ses oeuvres abstraites de maturité, font ici l’objet d’une relecture essentielle.

L’exposition fait dialoguer ces portraits de travailleurs des années 1930 avec des oeuvres contemporaines. Presque cent ans plus tard, le photographe Jean-Louis Schoellkopf, dans une même volonté, réalise lui aussi des portraits de travailleurs. Ces oeuvres photographiques ont été faites sur différents sites de production – textile, chimie, électrique – de Mulhouse. Suivant son protocole habituel, il invite les ouvriers à poser librement avant d’installer sa chambre moyen format numérique sur trépied. Un nouveau visage de l’usine apparaît, aseptisé et coloré, où prennent place des femmes. Béatrice Duport, quant à elle, n’a cessé d’enfreindre l’interdiction de pénétrer dans cet univers longtemps réservé aux hommes. Ses pièces, proches du ready-made, issues d’un monde industriel en Picardie ou au Mali, sont transformées puis déplacées dans un lieu d’exposition. Elles ouvrent ainsi un espace entre monde industriel et monde artistique que l’artiste travaille à rapprocher. Pauline Pastry rappelle la vitalité du monde ouvrier qui s’est développé à Montreuil à la fin du 19ème siècle et avec lui des manifestations politiques et culturelles. Avec son installation Les ateliers du diable la jeune plasticienne évoque les soirées ouvrières qui ont eu lieu à cette époque, précurseures des Universités populaires. Quant à Isabelle Rèbre, elle a réalisé une installation qui évoque les fresques murales réalisées par Pollock. Intitulée Le bout de la chaîne, elle met en scène un ramasseur de canettes dans les rues de New York aujourd’hui qui entasse des sacs sur un charriot au milieu d’une foule indifférente. Le spectateur est immergé dans ce plan séquence projeté sur un mur de 5 mètres, repris en boucle, comme les gestes répétitifs de l’homme.